Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600-1681) es uno de los más importantes autores teatrales de la literatura europea. En 1625 se alistó bajo las banderas del duque de Alba, y estuvo en Flandes e Italia.
En el primer lugar debió de serle grata la estancia, pues muchísimos son los personajes flamencos de sus dramas; o acaso porque la nobleza de su madre, doña María Ana Henao, era de origen flamenco. Sin embargo, posiblemente sus campañas no le dieron mucha gloria, pues no se le cita en parte alguna.
En cambio, su vida de letras fue brillante. Cursó estudios de matemáticas y filosofía, y a los trece años estrenó su primera comedia, El Carro del Cielo. Escribió numerosísimas piezas y se trata del autor de teatro español que ha creado obras de más trascendencia y mayor alcance. No por nada fue el dramaturgo favorito de Felipe IV, quien le hizo Caballero de Santiago.
Por otra parte, sus sonetos con tendencia filosófica, pero muy poéticos, son harto famosos, y reflejan algunos de los conflictos que Calderón ya hizo aflorar en su obra dramática.
Célebres son sus obras teatrales y autos sacramentales, como La vida es sueño, El gran teatro del mundo, El alcalde de Zalamea o El médico de su honra, todas ellas clásicos indispensables en la historia de nuestra literatura.
1. La vida es sueño
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He aquí la creación más lograda y de carácter más universal de Calderón. «La vida es sueño» es, en síntesis, la plasmación barroca de la idea de la fugacidad de la vida con todos los aditamentos geniales de construcción, caracteres y estilo que el autor supo imprimirle.
Con este pesimismo radical sobre el valor de la vida humana se interfiere el libre albedrío como afirmación personal de Segismundo -«¿y teniendo yo más vida / tengo menos libertad?»-.
Estos dos principios combinados crean una riqueza enorme de sentidos, que en esta edición son desmenuzados críticamente por Ciriaco Morón Arroyo.
2. El gran teatro del mundo
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El gran teatro del mundo demuestra la pericia de Pedro Calderón de la Barca en géneros dramáticos tan diferentes como el auto sacramental, la comedia filosófica y el drama de honor.
Representado y traducido innumerables veces, en todo tiempo y lugar, este auto sacramental ha superado los condicionamientos estéticos de la época en que fue escrito para extender con fuerza un mensaje conocido desde los clásicos latinos: la vida no es más que una representación en la que nuestro papel está determinado y en la que lo importante es «obrar bien».
3. La dama duende
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«La dama duende» es una de las obras donde mejor se encarnan todos los rasgos de la comedia de capa y espada, caracterizada por el ambiente urbano, el protagonismo de hidalgos, los enredos amorosos, la función de los celos, los desafíos, los conflictos de rivalidad entre hombres y las damas discretas. Obra cómica, por encima de todo, pretende entretener y divertir al público.
El personaje de Doña Ángela marca el curso de la acción, es ella la que vive un conflicto que debe ser resuelto a lo largo de la acción dramática: la ruptura del orden que debe conducir a la restauración del orden.
4. El alcalde de Zalamea
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Si El alcalde de Zalamea se ha mantenido a lo largo de los siglos como la más popular comedia calderoniana, es, sin duda, porque su protagonista, Pedro Crespo, encarna de modo formidable el sentimiento del honor como síntesis de la dignidad humana.
Pero no bastaría ese único mérito para garantizar la universalidad de una obra que incide en un tema tópico, a fuerza de verosímil, en el Siglo de Oro español.
Es el arte el que salva la comedia y la hace cada vez más viva. El rigor de los conceptos, polarizados entre Razón y Naturaleza, se encarna en una estructura dramática de gran claridad y enorme riqueza simbólica.
5. El médico de su honra
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Calderón fue uno de los mayores autores trágicos de la dramaturgia europea, a pesar de que un discurso dominante le ha otorgado ese lugar solo a Shakespeare y a Racine.
«El médico de su honra» es pieza fundamental en su mundo trágico: tragedia de amor, tragedia de celos, tragedia de honor y tragedia de poder, la obra no ha logrado desvelar todas sus claves de un modo aceptable y consensuado para el público lector. Las desavenencias en su interpretación no han podido ser superadas.
En esta edición, sin embargo, don Gutierre es un héroe trágico, no un modelo ejemplar de virtud; doña Mencía, una víctima no siempre inocente; el rey, un justiciero que será víctima del regicidio de su hermanastro; Enrique, un galán obnubilado por el deseo erótico; doña Leonor, una dama coherente aunque con sus propias contradicciones; don Arias, un aristócrata oscilante y de lealtades menos firmes de lo que quiere aparentar. Modelo de complejidad barroca, de interpretación deslizante y de pasiones trágicas.
6. El príncipe constante
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Aunque en España se considera que las dos obras representativas de Calderón son «La vida es sueño» y «El alcalde de Zalamea», para la historia del teatro universal su obra clave es «El príncipe constante».
La importancia de este drama histórico para el teatro europeo la tienen tres personajes esenciales en el teatro contemporáneo: el alemán Goethe, el ruso Meyerhold y el polaco Grotowski. No hay ninguna otra obra de Calderón que haya resultado tan esencial para la renovación del teatro universal, desde el Teatro Espectáculo de Goethe en Weimar, la Biomecánica de Meyerhold y el Teatro Pobre de Grotowski.
El texto teatral de Calderón nos muestra el camino hacia el heroísmo a través de la extenuación física y la resistencia paciente frente a la tortura. Nos muestra también (tema muy calderoniano) la defensa de la libertad como experiencia y elección individual consciente frente a las imposiciones de la Razón de Estado.
7. La hija del aire
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«La hija del aire» es una de las piezas del ciclo mitológico calderoniano, en las que la fábula se convierte en materia mítica, adquiriendo una nueva energía significante. Semíramis, como Segismundo, pertenece a esa «familia» de héroes calderonianos que, marcados desde antes de su nacimiento por un destino adverso, son encerrados e incomunicados para evitar que se cumpla.
La obra remite al modelo dramatúrgico de tragedia calderoniana regida por el mitologema del «monstruo», con la violencia como unidad constitutiva, tanto en el plano semántico como en el formal. Calderón teatraliza así, sutilmente, la dialéctica del poder: la irresistible ascensión desde la nada y el ejercicio y la lucha por mantenerse en él a cualquier precio.
8. El galán fantasma
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«El galán fantasma» es una comedia de enredo enmarcada en un ambiente palatino: la acción se sitúa en la corte sajona, tiene lugar en un periodo indefinido y, entre sus «dramatis personae», se halla un duque, representante de la nobleza.
La trama principal parte de un conflicto asentado en un triángulo amoroso en cuyo vértice está Julia, enamorada de Astolfo, y a quien pretende conquistar el duque de Sajonia. Calderón quiso aprovecharse en esta obra de la intriga y el juego amoroso que le brindaban la figura del fantasma.
El desenlace, que finaliza con el desenmascaramiento del fingido fantasma -producto de la imaginación de algunos personajes-, corrobora la postura racional calderoniana ante las supersticiones propias de su época.
9. La cisma de Ingalaterra
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«La cisma de Ingalaterra» lleva a escena la desventurada historia de los turbios amores de Enrique VIII y Ana Bolena, casada en secreto con el monarca después del repudio del rey de su esposa Catalina, a través de una serie de acontecimientos desastrosos para la corona que terminan con la separación de la Iglesia de Roma y la proclamación de la Iglesia anglicana.
Pasiones incontroladas, engaños y ambición desmesurada recorren las trayectorias vitales de los principales personajes de la obra, encabezados por el cardenal Volseo, auténtico artífice, en última instancia, del cisma y del divorcio del rey Enrique.
La obra, basada en hechos históricos, aunque manipulados de manera particular y con tendencia a cierto uso maniqueo, presenta un conflicto trágico entre las pasiones y el deber de todo hombre de sofocarlas en defensa del bien común. Una lección de los peligros de la falta de autodominio y de no medir la responsabilidad de los actos de uno mismo sobre la colectividad.
10. A secreto agravio, secreta venganza
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Junto con los otros dos dramas de honor de Calderón, «A secreto agravio, secreta venganza» ha sido, durante siglos, piedra de escándalo para la crítica y la historiografía literarias. Pero hasta sus más férreos detractores en el plano moral no han podido sino reconocer en ella una de las obras maestras del teatro español por sus cualidades dramáticas y poéticas.
En esta edición, la obra no es examinada como espejo de las costumbres de la época, ni como obra ejemplarizante, sino como manifestación de un género literario provisto de códigos propios. El texto ha sido cuidadosamente fijado partiendo, sobre todo, de dos testimonios tempranos -uno manuscrito, otro impreso- sin duda cercanos al original del autor.
11. Amar después de la muerte
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En 1570 un ejército bajo el mando de don Juan de Austria conquistó la villa granadina de Galera arrebatándosela a los moriscos que se habían sublevado contra las duras medidas de aculturación forzosa decretadas por Felipe II. La villa fue saqueada, y una joven bellísima, conocida como la Maleha, fue apuñalada por un aventurero ansioso de apropiarse de sus brazaletes y pendientes de oro. Un morisco audaz, llamado el Tuzaní, que pretendía la mano de la joven, se infiltró como soldado cristiano, descubrió la identidad del asesino y vengó la muerte de la Maleha.
Muchos años después, reinando ya Felipe IV, este suceso fue transformado por Pedro Calderón de la Barca en un impactante drama de amor, honor, infamia y venganza. Un drama notable por las ráfagas de bellísima poesía que contiene, por la empatía con la que el autor representa el punto de vista de los moriscos, por su indignación ante los excesos habituales de las acciones bélicas y por la habilidad con la que moldea los sentimientos del público para conseguir un efecto máximo en la escena de mayor patetismo.
12. Casa con dos puertas, mala es de guardar
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«Casa con dos puertas, mala es de guardar» ejemplifica la maestría en el engranaje preciso de un dramaturgo ya maduro que domina a la perfección el juego teatral de este tipo de piezas (comedias de capa y espada) e ilustra con claridad la actitud de un poeta dramático que sabe evadirse con oficio de la repetición formularia de un artilugio teatral a través de la experimentación y la aplicación de nuevas e ingeniosas formas de resolver un enredo excesivamente tipificado.
13. La fiera, el rayo y la piedra
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Escrita para el cumpleaños de la reina Mariana de Austria, «La fiera, el rayo y la piedra» es una comedia que representa un eslabón importante en la etapa del drama concebido como espectáculo total en el que se integran todas las artes.
Estrenada en el Coliseo del Buen Retiro, es un claro ejemplo de la aclimatación de la escenografía italiana afincada en España. El arte de la escultura y la materia mitológica clásica constituyen la base argumental de La fiera.
La fusión mítica sirve a Calderón para organizar tres historias de amor cruzadas, cuyo sentido moral viene dado por el triunfo del amor correspondido, lo que equivale al de la virtud sobre los vicios, la razón sobre la pasión y el estado cortesano sobre el primitivo y salvaje.
14. Poesía
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Pedro Calderón de la Barca es uno de los mejores poetas que ha dado la lengua castellana, como se puede apreciar en esta, la primera edición crítica de su poesía no dramática completa, acompañada de sus sonetos.
Estos poemas muestran la inigualable maestría técnica de Calderón, así como su evolución estilística y la gran variedad de temas que tocó. Su obra incluye escultóricos poemas doctrinales como «Psalle et Sile» y meditaciones ascéticas como «Agora, señor, ágora», así como sentidas elegías y brillantes poemas cortesanos.
Además, estos textos ponen de relieve un lado menos conocido de Calderón: su capacidad para la burla y la improvisación, que demuestra en poemas como el autorretrato burlesco «Curiosísima señora» o el divertido «Cantariloquio», en los que no rehúye la broma escatológica o el disparate.
